Episodios

  • Ernst Theodor Amadeus Hoffmann

    Ernst Theodor Amadeus Hoffmann
    Jun 26 2025
    Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. En cada episodio, nos sumergimos en el universo sonoro de compositoras y compositores cuyas obras nos invitan a escuchar el mundo con otros oídos. A través de la música, reconocemos expresiones de identidad colectiva, relatos históricos, resistencias culturales y formas únicas de sentir y habitar el presente. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy recordamos a Ernst Theodor Amadeus Hoffmann, quien falleció un 25 de junio de 1822. Hoffmann fue una figura singular del Romanticismo alemán: escritor, jurista, pintor, crítico musical y también compositor. Aunque es ampliamente reconocido por sus relatos de corte fantástico, su pasión por la música marcó profundamente su vida y su obra. Su carrera como escritor eclipsó su faceta como compositor, pero ambas disciplinas estuvieron íntimamente entrelazadas. En textos como Piezas fantásticas a la manera de Callot o Los elixires del diablo, Hoffmann combinó una imaginación desbordante con una aguda exploración de la psicología humana. Fue pionero en incorporar elementos del inconsciente, la locura, los autómatas, lo doble y lo sobrenatural en la literatura europea, anticipando temáticas que siglos después exploraría el psicoanálisis. Hoffmann también fue un ferviente admirador de Mozart —al punto de incorporar su segundo nombre, “Amadeus”, como homenaje— y un apasionado defensor de la autonomía artística de la música. Su personaje literario Johannes Kreisler, un compositor excéntrico y genial, sirvió de inspiración a Robert Schumann para su ciclo de piano Kreisleriana. El legado de Hoffmann ha influido no solo en la literatura sino también en la música. Relatos como El cascanueces y el rey de los ratones inspiraron obras célebres como el ballet El cascanueces de Tchaikovsky, y su universo fantástico fue retomado en óperas como Los cuentos de Hoffmann de Jacques Offenbach. Otros compositores como Richard Wagner, Paul Hindemith y Schumann también recogieron ecos de su pensamiento estético y literario. A continuación, escucharemos el primer movimiento, Allegro moderato, de su Quinteto para arpa y cuerdas, interpretado por el Hoffmeister Quartet, una muestra de su sensibilidad musical, marcada por un lirismo elegante y una imaginación melódica muy en sintonía con el espíritu romántico. Gracias por acompañarnos en este viaje musical. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.
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    11 m
  • YU Grupa

    YU Grupa
    Jun 23 2025
    Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. En cada episodio, nos sumergimos en el universo sonoro de compositoras y compositores cuyas obras nos invitan a escuchar el mundo con otros oídos. A través de la música, reconocemos expresiones de identidad colectiva, relatos históricos, resistencias culturales y formas únicas de sentir y habitar el presente. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy viajamos hacia Europa del Este para conocer a YU Grupa, una emblemática banda de rock serbia y ex-yugoslava, considerada la agrupación de este género más longeva de Serbia. La banda fue fundada a fines de los años sesenta por los hermanos Dragi y Žika Jelić, junto con Miodrag Okrugić y Velibor Bogdanović. Los hermanos Jelić provenían de la banda Džentlmeni, y en 1973 lanzaron su primer álbum, un disco homónimo que, en 1998, fue incluido entre los cien mejores álbumes de rock y pop yugoslavos. Éxitos como “Crni leptir”, “Mornar”, “Dunavom” y “Kosovski božuri” se convirtieron en himnos generacionales, grabados en la memoria colectiva de quienes vivieron los profundos cambios políticos y sociales de la antigua Yugoslavia. Su música, que fusiona el rock psicodélico y progresivo con elementos del folclore balcánico, traspasó las fronteras regionales y sigue inspirando a nuevas generaciones de músicos y oyentes. YU Grupa no es solo una banda: es una institución que atravesó décadas marcadas por conflictos, transformaciones culturales y reconstrucciones identitarias. Su presencia constante en la escena musical de los Balcanes la ha convertido en parte viva del patrimonio cultural serbio. En el contexto más amplio de la historia de la música occidental, YU Grupa refleja un fenómeno que también ocurrió en otras partes del mundo: la apropiación del lenguaje del rock como forma de expresión local. Así como en América Latina o en África, el rock fue resignificado en los Balcanes para dialogar con lo propio, lo ancestral, lo cotidiano. Esta tensión creativa entre lo global y lo local, entre lo moderno y lo tradicional, es una constante en el devenir de las músicas occidentales, desde el Renacimiento hasta el siglo XXI. A continuación, escucharemos su primera canción grabada: “Nona”. Esta obra registrada a fines de diciembre de 1970, está profundamente inspirada en la música folclórica de Kosovo. Gracias por acompañarnos en este viaje musical. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.
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    8 m
  • Jacques Offenbach

    Jacques Offenbach
    Jun 19 2025
    Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. En cada episodio, nos sumergimos en el universo sonoro de compositoras y compositores cuyas obras nos invitan a escuchar el mundo con otros oídos. A través de la música, reconocemos expresiones de identidad colectiva, relatos históricos, resistencias culturales y formas únicas de sentir y habitar el presente. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 20 de junio de 1819 nacía el compositor alemán naturalizado en Francia, Jacques Offenbach. Con un talento natural para el violonchelo, Offenbach estudió en París en el Conservatorio. Luego ingresó a la orquesta de la Opéra-Comique, donde tocaba al mismo tiempo que desarrollaba su carrera como compositor. Reconocido por sus melodías ligeras y su aguda capacidad satírica, se convirtió en director musical de la Comédie Française en 1847, antes de abrir su propio teatro: el Teatro de los Bufones Parisinos (Théâtre des Bouffes-Parisiens). Allí presentará con enorme éxito sus propias obras, entre las que destacan Orfeo en los infiernos (Orphée aux Enfers, 1858), La Gran Duquesa de Gerolstein (La Grande-Duchesse de Gérolstein), La vida parisina (La Vie parisienne) y Los bandidos (Les Brigands). Le seguirán su ópera bufa-fantástica El Rey Zanahoria (Le Roi Carotte) y luego su ópera patriótica La Hija del Tambor Mayor (La Fille du Tambour-Major). Offenbach fallece algunos meses antes del estreno de la ópera que le otorgará el reconocimiento eterno: Los cuentos de Hoffmann (Les Contes d’Hoffmann), un título que hasta el día de hoy no ha dejado de seducir a públicos, músicos y críticos de todo el mundo. En tiempos donde la crítica social a menudo se encuentra con límites —ya sea en redes sociales, medios tradicionales o escenarios culturales polarizados— vale la pena recordar cómo compositores como Offenbach supieron utilizar la música y el humor como vehículos de denuncia. Sus operetas no solo hicieron reír a generaciones, sino que también expusieron con ingenio las contradicciones del poder y de la sociedad. Tal vez su espíritu satírico aún resuena en muchas expresiones actuales, donde el arte se convierte en voz, en crítica y en memoria. La sátira, como forma de resistencia, sigue vigente, y Offenbach es un claro ejemplo de cómo la belleza sonora puede ir de la mano con la agudeza política. Antes de dejarlos con la música, los invito a sumergirse en la atmósfera envolvente de la Barcarolle, una pieza perteneciente a su ópera Los cuentos de Hoffmann que nos habla de sueños, de deseo y de una belleza casi etérea. Gracias por acompañarnos en este viaje musical. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.
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    7 m
  • Coldplay

    Coldplay
    Jun 16 2025
    Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. En cada episodio, nos sumergimos en el universo sonoro de compositoras y compositores cuyas obras nos invitan a escuchar el mundo con otros oídos. A través de la música, reconocemos expresiones de identidad colectiva, relatos históricos, resistencias culturales y formas únicas de sentir y habitar el presente. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 12 de junio de 2008, el grupo británico Coldplay lanzó el álbum Viva la Vida or Death and All His Friends. La canción que da nombre al disco se convirtió rápidamente en un éxito global, y no solo por su melodía pegajosa o sus arreglos sinfónicos, sino por su potente contenido simbólico. "Viva la Vida" narra la caída de un rey, abordando la fugacidad del poder, las contradicciones de la fama y el vacío que puede dejar la ambición desmedida. Es un relato que, aunque vestido con referencias históricas y bíblicas, resuena con fuerza en el mundo actual, marcado por crisis de liderazgo, luchas de poder, colapsos institucionales y el desgaste de los discursos hegemónicos. Chris Martin, vocalista de la banda, ha mencionado que una de las inspiraciones para el título fue una pintura de Frida Kahlo: una naturaleza muerta con sandías donde se lee "Viva la Vida". Esta frase, sencilla y poderosa, condensa una filosofía de resistencia ante el sufrimiento, de afirmación vital incluso en medio del dolor. En tiempos donde los conflictos sociales, ambientales y políticos desafían nuestras formas de vida, esta canción se ha transformado en una suerte de himno para quienes buscan persistir con dignidad, cuestionar las estructuras de poder y afirmar la esperanza como acto radical. A continuación, escucharemos “Viva la Vida”, una canción que, más allá de su éxito comercial, invita a reflexionar sobre la fragilidad del poder, la memoria y la capacidad de reconstruir sentido a través del arte. Gracias por acompañarnos en este viaje musical. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para reencontrarnos con lo que somos.
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    7 m
  • Carlos Chávez

    Carlos Chávez
    Jun 12 2025
    Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones, y donde celebramos la riqueza de nuestras raíces sonoras. En cada episodio, nos sumergimos en el universo de compositoras y compositores cuyas obras nos invitan a escuchar el mundo con otros oídos, reconociendo cómo la música puede expresar la identidad de un pueblo, una historia compartida y una forma única de sentir el mundo. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 13 de junio de 1899 nacía en Ciudad de México el destacado compositor mexicano Carlos Chávez, figura clave en el desarrollo de una música con sello propio en América Latina. Reconocido como uno de los compositores, directores y educadores musicales más influyentes de la historia de México, Chávez estuvo desde su infancia vinculado con la cultura de los pueblos indígenas, una influencia que se reflejaría profundamente en su obra. Tras la Revolución Mexicana, Chávez se convirtió en uno de los primeros músicos en construir un lenguaje sonoro verdaderamente nacional, inspirado en las raíces precolombinas, en los ritmos populares y en los paisajes culturales de su tierra. Su música representa una afirmación de identidad frente al predominio europeo en el ámbito clásico, y una apuesta por una modernidad auténticamente latinoamericana. También fue un destacado director de orquesta, liderando las principales agrupaciones de México y del mundo. Su trabajo ha sido a menudo vinculado con el de su amigo y contemporáneo, el compositor estadounidense Aaron Copland. Ambos compartían el anhelo de crear una música que hablara con voz propia, desde América hacia el mundo. En una carta de 1931, Copland le escribió: “Todo lo que escribiste sobre la música en América despertó un eco sensible en mi corazón. He terminado con Europa, Carlos, y creo como tú, que nuestra salvación debe venir de nosotros mismos y que debemos luchar contra el elemento extranjero en la música americana.” Con Carlos Chávez, la música latinoamericana comenzó a tender puentes desde lo local hacia lo universal. En este episodio, escucharemos su versión de La Bamba, un son jarocho —género tradicional de la región de Veracruz—, interpretado por la Orquesta Sinfónica Nacional de México bajo su dirección. Gracias por acompañarnos en este viaje musical. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para reencontrarnos con lo que somos.
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    7 m
  • Rage Against the Machine

    Rage Against the Machine
    Jun 9 2025
    Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. En cada episodio, nos sumergimos en el universo sonoro de compositoras y compositores cuyas obras nos invitan a mirar el mundo con otros oídos. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy viajamos a los años 90, a un momento de efervescencia musical y social. Un 11 de junio de 1992 se lanzaba el álbum debut homónimo de Rage Against the Machine, una banda que revolucionó la escena con una fusión explosiva de rap, metal y protesta. Musicalmente, Rage se enmarca en la corriente de bandas como Faith No More o Living Colour, que derribaron fronteras de género. Pero en su actitud y mensaje, bebían de otras fuentes: el espíritu combativo de The Clash, la energía cruda de MC5, la crítica social de Public Enemy. El propio nombre de la banda tiene raíces en la protesta: surge de una canción escrita por Zack de la Rocha cuando aún formaba parte del grupo Inside Out, y que se convirtió en una declaración de principios. Desde sus inicios, Rage Against the Machine fue más que una banda: fue una denuncia viva. Sus letras hablaban de racismo estructural, brutalidad policial, represión y resistencia. Temas que —lamentablemente— siguen vigentes hoy. Basta con mirar las protestas recientes en Estados Unidos, en ciudades como Atlanta, Nueva York o Minneapolis, donde miles de personas volvieron a tomar las calles exigiendo justicia racial, transparencia institucional y el fin de la violencia policial. En este contexto, su legado resuena con una fuerza renovada. Como si los riffs de Tom Morello y los gritos de Zack no solo pertenecieran al pasado, sino también a este presente cargado de tensiones sociales. Hoy escucharemos uno de sus himnos más potentes: "Killing in the Name", inspirado en la golpiza sufrida por Rodney King y los disturbios que estallaron en Los Ángeles en 1992. Con su guitarra en afinación drop-D y una letra directa que denuncia el abuso de poder y el racismo policial, esta canción llegó al puesto 25 en el ranking del Reino Unido en 1993. Pero más allá de los números, su poder sigue vivo en cada manifestación, en cada pancarta, en cada voz que se niega a callar. Gracias por acompañarnos en este viaje musical. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.
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    9 m
  • Douglas Lilburn

    Douglas Lilburn
    Jun 5 2025
    Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. En cada episodio, nos sumergimos en el universo sonoro de compositoras y compositores cuyas obras nos invitan a experimentar el mundo con nuevos oídos. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Un 6 de junio fallecía el compositor neozelandés Douglas Lilburn, figura clave en la historia musical de su país. Fue un músico, maestro y visionario que inspiró a generaciones enteras de compositores. Lilburn nació en Whanganui y cursó estudios secundarios en la escuela Waitaki Boys High School, en Oamaru. Inició la carrera de periodismo en el Colegio Universitario de Canterbury, pero pronto siguió el llamado de la música y obtuvo una licenciatura en composición. Su talento se hizo evidente al ganar un premio nacional de composición, lo que marcó el inicio de una destacada trayectoria. Entre 1937 y 1940 estudió en el Royal College of Music de Londres, donde fue discípulo de Ralph Vaughan Williams. Allí obtuvo múltiples distinciones, incluyendo tres de los cuatro premios de composición en los concursos del Centenario de Nueva Zelanda. De regreso en su país, Lilburn vivió su etapa más prolífica como compositor, además de ejercer como director, profesor y crítico musical en Christchurch. En 1946 se integró al recientemente creado Departamento de Música de la Victoria University en Wellington. Al principio viajaba entre ambas ciudades, pero en 1949 asumió el cargo a tiempo completo y se instaló definitivamente en la capital. Su obra se divide en tres etapas estilísticas: una primera nacionalista, profundamente ligada al paisaje y la identidad neozelandesa; una segunda influenciada por el serialismo y su paso por Estados Unidos y Europa en 1955; y una tercera dedicada a la música electrónica. Fue pionero en este último campo: en 1963 comenzó a explorar los nuevos sonidos, y logró que la universidad construyera un estudio de música electrónica en 1966, el primero del país. Tras su retiro en 1980, dividió su tiempo entre Wellington y su refugio en Queensberry, Central Otago. Hasta sus últimos días continuó promoviendo la música de su país con pasión y generosidad. Falleció en 2001, a los 85 años. En este episodio escucharemos su Canzonetta No. 1, interpretada por Martin Riseley en el violín, junto a la Orquesta de la Escuela de Música de Nueva Zelanda. Gracias por acompañarnos en este viaje musical y reflexivo. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.
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    7 m
  • The Alan Parsons Project

    The Alan Parsons Project
    Jun 2 2025
    Bienvenidas y bienvenidos a Acercándonos a Escuchar, un espacio donde la música se convierte en un puente que une culturas, épocas y emociones. En cada episodio, nos adentramos en el universo sonoro de compositoras y compositores cuyas obras nos invitan a experimentar el mundo con nuevos oídos. Este podcast es una iniciativa de la Casa de las Artes, perteneciente a la Dirección de Vinculación con el Medio de la Universidad Austral de Chile, sede Puerto Montt. Hoy viajamos al pasado para reflexionar sobre el presente. Un 1 de junio de 1977 se lanzaba I Robot, el segundo álbum de The Alan Parsons Project, banda británica de rock progresivo. Aunque la idea original era musicalizar los relatos del libro Yo, Robot de Isaac Asimov, la banda optó por una interpretación libre, al no contar con los derechos de autor. El resultado fue un álbum conceptual que, ya en los años setenta, planteaba interrogantes sobre el avance de la inteligencia artificial y su impacto en la humanidad: ¿pueden las máquinas superar a sus creadores? ¿Qué lugar ocupan las emociones humanas en un mundo automatizado? De este LP escucharemos I Robot, una pieza instrumental que mezcla elementos de música electrónica y rock sinfónico. Su fuerza expresiva reside en la capacidad del arreglista Andrew Powell para fusionar una orquesta y un coro elaborados, otorgando a la obra una dimensión dramática que refuerza su mensaje. Hoy, casi cinco décadas después, las preguntas planteadas por I Robot resuenan con más fuerza que nunca: vivimos rodeados de algoritmos, asistentes virtuales, sistemas predictivos y máquinas que no solo ejecutan tareas, sino que comienzan a aprender, crear y hasta componer. ¿Puede la música ayudarnos a pensar de forma crítica sobre el futuro que estamos construyendo con la inteligencia artificial? ¿Qué papel tienen la sensibilidad y la intuición humanas en este escenario cada vez más automatizado? Gracias por acompañarnos en este viaje musical y reflexivo. Nos reencontramos en el próximo episodio de Acercándonos a Escuchar. Hasta entonces, recuerden: en cada nota hay una historia, y en cada silencio, una oportunidad para descubrir algo nuevo.
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    9 m